Une rétrospective immersive de cinquante ans de création

Présentée au Grand Palais à Paris jusqu’au 21 juin, l’exposition This Will Not End Well propose une exploration sensorielle de l’œuvre de la photographe américaine Nan Goldin. Âgée de 72 ans, l’artiste, reconnue pour avoir documenté dès les années 1970 les communautés LGBTQ+ de Boston et New York, y dévoile un parcours construit à partir de diaporamas et de vidéos. Organisée en six chapitres, cette rétrospective retrace cinq décennies de création artistique.

La notoriété de Nan Goldin s’est construite avec The Ballad of Sexual Dependency, une œuvre née dans le New York de la fin des années 1970. Ce projet transforme des clichés de son quotidien en un récit visuel rythmé par la musique. Elle y met en lumière son entourage, composé notamment d’ami·es proches, d’amant·es et de figures de la scène drag, qu’elle sublime à travers son objectif.

À travers cette approche, son travail s’inscrit pleinement dans une réflexion plus large sur la représentation des personnes LGBTQ+ dans les médias et le cinéma , où l’image devient un outil de narration, de mémoire et de visibilité.

Une approche cinématographique assumée

D’après Fredrik Liew, commissaire de l’exposition et directeur des collections du Moderna Museet de Stockholm — où l’exposition a été présentée pour la première fois en 2022 —, Nan Goldin n’a jamais réellement aspiré à être photographe. « Elle voulait être cinéaste », explique-t-il. Cette ambition transparaît dans son travail, qui privilégie le montage, le rythme et la narration plutôt qu’une simple juxtaposition d’images.

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L’artiste attendait depuis longtemps une exposition capable de révéler cette dimension cinématographique de son œuvre.

Une scénographie pensée comme une expérience

La mise en espace, conçue par l’architecte libanaise Hala Wardé, renforce l’immersion du visiteur. Après une première collaboration au château de Versailles en 2019, les deux créatrices poursuivent ici leur dialogue artistique. L’exposition se déploie sous forme de pavillons immersifs, formant une sorte de village fragmenté. Chaque structure possède sa propre identité visuelle, avec des formes et des couleurs distinctes.

Comme l’explique Barbara Kroher, commissaire associée au Grand Palais, chaque œuvre « habite un pavillon ». Le parcours invite ainsi à passer d’un univers à un autre — du club à la plage, de la chapelle au cinéma — sans jamais tomber dans une reconstitution figée ou folklorique des scènes queer.

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Transformer l’intime en mémoire collective

L’exposition reste fidèle à l’approche profondément autobiographique de Nan Goldin, mêlant journal personnel et observation critique de la société américaine. Barbara Kroher souligne qu’il n’y a « aucune forme de voyeurisme » dans son travail, l’artiste étant toujours partie prenante de ce qu’elle montre.

Fredrik Liew insiste également sur cette dimension immersive : pour Goldin, la photographie s’apparente à une forme de proximité, voire de « caresse ». Son œuvre plonge le spectateur dans une intimité assumée, sans distance ni jugement.

Ses images, à la fois brutes et sincères, documentent les communautés LGBTQI+ sans exotisme ni caricature. La série The Other Side, présentée dans l’exposition, rend ainsi hommage à ses ami·es trans avec une grande sensibilité. Malgré des parcours de vie différents, les émotions abordées — amour, douleur, joie — trouvent une résonance universelle.

Des récits marqués par la mémoire et les épreuves

Les séries exposées témoignent de vies souvent menacées d’effacement. La crise du sida traverse The Ballad of Sexual Dependency comme une blessure persistante. Memory Lost aborde l’addiction aux opioïdes vécue par l’artiste elle-même, tandis que Sirens explore l’attrait ambigu de la drogue sans jugement moral. Enfin, Sisters, Saints, Sibyls s’inspire de la disparition de sa sœur Barbara pour interroger les traumatismes, l’internement psychiatrique et les violences faites aux femmes.

Malgré la gravité de ces thématiques, le regard de Nan Goldin reste empreint de vitalité et d’ironie. Cette tension entre dureté et énergie insuffle à l’ensemble de l’exposition une forme d’espoir, laissant au visiteur une impression durable, à la fois poignante et réconfortante.